L'inquiétude était légitime... Dix ans après un Rainmaker un peu oublié, le mythique réalisateur d'Apocalypse Nom des Godfather, de Cotton Club, de Rumble Fish, mais aussi de Jack avec Robin Williams (ouch) ou de Captain Eo avec Michael Jackson (re-ouch), revient, délaissant un temps ses bouteilles de vin et ses tire-bouchons estampillés, il s'est exilé dix-huit mois en Roumanie pour tourner Youth Without Youth, dont le titre français sera visiblement L'Homme sans âge. Son nouvel opus n'est donc pas le gigantesque Megalopolis, projet hanté auquel fait peut-être référence l'eouvre inachevée du personnage de Tim Roth dans ce nouvel opus. Et d'après les premiers échos, le résultat est à la hauteur des attentes.

Le film suivant est déjà sur les rails, le tournage devrait commencer incessamment sous peu. Tetro racontera la vie d'une famille d'artistes immigrés italiens... pour rappel dans la famille Coppola on trouve donc Francis, mais aussi: la fille Sofia (réalisatrice), le fils Roman (réalisateur), la soeur Talia Shire (Adrienne dans Rambo! et actrice dans les Parrains), le père Carmine (compositeur, notamment sur Apocalypse et Le Parrain III), le beau-frère Bill Neil (effets spéciaux sur Star Wars VI, Indiana Jones, Superman Returns et le Dracula de Francis), le neveu Nicolas Cage (de son vrai nom Nicolas Coppola), le neveu Christopher Neil (coach dialogues sur plusieurs films de Francis ou sur Star Wars III), le neveu Jason Schwartzmann (acteur dans Marie Antoinette et le nouveau Wes Anderson), etc... En tout 13 membres de la famille dans l'industrie du cinéma, une véritable mafia sympathique et jamais vue! Ca promet pour le film...

En attendant de voir tout ça, Youth Without Youth a été présenté en première mondiale au festival de Rome, et c'est la télévision suisse romande qui nous en parle!

Vivement tout ça dans les salles (le 14 novembre en France)! Le film jouit déjà d'une côte de 9,2 sur Imdb avec 105 votes, de quoi rendre l'espoir en toute la génération du Nouvel Hollywood à quelques mois de la sortie d'Indy IV dont le tournage vient de s'achever (bon la je rêve tout haut... soupir...).

Grâce à Internet, l'art est partout. Comme on dit: "ne faites pas ça chez vous à la maison" (et demande à tes parents de t'aider pour les découpages). Mais vraiment pas!

Qui n'a jamais eu envie de mettre au micro-onde des objets qui ne s'y prêtent pas? Cd, plastiques, savon, biscuits industriels... Cette envie bien souvent réprimée est finalement assez symptomatique de notre époque: se procurer du luxe et le foutre en l'air "pour voir ce que ça fait". Hé bien vous n'aurez pas à sacrifier votre électro-ménager car bien sûr des cinglés l'ont fait pour vous. Leur site MicroWaveCam surprend par sa sobriété, moi je vous dit qu'on est pas loin de l'art conceptuel (foncièrement crétin et fascinant). Voyez plutôt un digest de leurs performances sur une chanson de circonstance (Let the motherfucker burn... entre autres).

Nous sommes en 1976. Il est 5h, Paris s'éveille et, prêt à mourir pour le cinéma, Claude Lelouch traverse la capitale française à 400 à l'heure dans une Ferrari 275. Impensable dans la France de Sark... de 2007, un ovni à voir absolument, tout aussi crétin sur le fond et fascinant sur la forme que la précédente, mais en 76!

Last but not least, un exercice que vous seriez bien en peine de reproduire, sauf si vous êtes au Japon et que vous avez de nombreuses amies qui aiment sautiller, jouer avec des pelotes de laine ou lire un livre au coin du feu. Si vous pensiez que vous ne pouviez pas rester des heures à fixer une horloge, détrompez-vous! L'art donne l'heure et c'est bien la moindre des choses!

Instantanément culte. Visiblement, tout ça est parti d'une pub pour le cachemire de la marque Uniqlo, ce qui en fait un objet encore plus "vingt-et-unième siècle"! Visitez le site, pour notamment en faire votre écran de veille: Uniqlock.jp

C'est d'habitude pas le genre de la maison de faire dans le paparazzi (tiens, d'ailleurs, saviez-vous que cette expression vient du nom de Mastroiani dans La Dolce Vita?), mais ces clichés m'ont bien amusé. Ils prouvent qu'aux USA, si vous êtes une célébrité, certes une peine de prison de 48 jours peut se transformer en 48 heures (qui a dit Paris Hilton?!), mais au moins devant le terrorisme on est tous égaux! Ainsi Kate Beckinsale a sonné à l'aéroport de Los Angeles, mais les douaniers ont pris leur courage à deux mains pour affronter l'actrice, ni à la déchausser, malgré son haut moulant et son jean aux pattes d'éph' traîtres. Visiblement, aucune kalachnikov dissimulée sur la belle anglaise, ouf!

A la décharge des forces de la law et de l'order, il faut dire que Kate (pour les intimes) a déjà été plus intimidante (dans la rôle d'une vampire dans Underworld et sa suite). Elle est actuellement à l'affiche du franchement mauvais Motel/No Vancancy, ersatz de Hostel et autres Saw (déjà avec des références comme ça...), mais heureusement on la retrouvera bientôt dans le rôle de Barbarella dans une nouvelle adaptation cinématographique! Heu, j'ai dit "heureusement"? Allez Kate, courage on t'aime (enfin un copain à moi et puis moi)!

Le cocktail Beigbeder-Kounen-Dujardin, sur papier ça laissait perplexe. Hé bien sur écran c'est une réussite totale! Oui, oui j'ai dit totale, même si le film n'est peut-être pas un chef-d'oeuvre il est d'une efficacité redoutable. J'apprécie beaucoup la débauche d'effets et de techniques qui sert de vernis à un nihilisme profond, car il n'y a ici rien n'y personne à racheter. Comme le dit Octave en reniflant un truc bizarre qui traine dans son appartement, juste après avoir vomi sur une métisse nue dans la baignoire, le monde "c'est de la merde"! Dujardin prouve l'étendue de son talent comique après sa performance mémorable dans OSS 117, j'espère qu'un succès possible du film en fera un incontournable du ciné français, ça nous changerait de Clovis Cornillac et Benoit Magimel (pitié!). Pour le reste, je vous renvoie à l'appréciation de l'ami Yann made on a Mac Le Naour, et comme ça je lui fais sa pub ;o)

Celui-là je l'avais raté à Bruxelles (Arenberg de mes amours...) mais j'ai pu le rattraper à Ostende et je voulais en dire un mot au cas où ce que ça lui ferait gagner ne serait-ce qu'un spectateur. En effet voilà un docu qui combine beaucoup de qualités. Plastiques d'abord, avec un magnifique travelling d'ouverture d'un quinzaine de minutes tout le long d'une usine chinoise de ventilateur pour donner le ton. Bien rythmé, mêlant interview (en off) et prise de vue sur le vif. Le film est un double voyage dans l'oeuvre du photographe Ed Burtynsky. D'une part une sorte de making of où l'on suit l'artiste dans ses déplacements, de l'autre la cinéaste épouse sa démarche et tente de l'appliquer, avec plus ou moins de succès à l'image en mouvement. Passionnant. Et surtout l'occasion de découvrir ce travail. La démarche de Burtynsky me plaît énormément. Il ne se pose pas en donneur de leçon. Il désire nous offrir un point de vue complet sur le fonctionnement du monde. Aussi il cherche les paysages modernes, ceux créés artificiliements (le titre donc) et où sont assemblés tous nos produits "made in china", mais aussi bâtit nos bateaux cargos ou où s'entassent nos ordures dans l'attente d'être recyclées. Une vision très concrète de comment le sud entretient le nord, mais par le biais seul de l'esthétique. Burtynsky c'est Yann Arthus-Bertrand sans le côté casse-couille, c'est un homme qui ne prend pas son public pour des idiots ou des enfants, qui ne prétend pas apporter de réponses, mais soulever des questions. Bref un artiste. A découvrir sur son site officiel: http://www.edwardburtynsky.com/.

Avec Kennedy et moi et A la petite semaine, Sam Karmann (pour les distraits, c'est Emile le tueur-euh! dans La Cité de la Peur) a entammé un sillon qu'il continue ici de creuser, celui d'un cinéma français sans prétention mais de qualité (principalement scénaristique et comédianique, le jour où les français nous épatent avec leur photographie on commencera à y croire). Après le polar, il tente ici la comédie de moeurs, avec une sorte d'esprit anglais raffiné qui évite à la chose de tomber dans la marivaudage. Le rire est franc, la parole est libérée (un de ces rares films avec des homosexuels qui ont l'air de gens normaux sans que cela soit le thème du film, merci), l'émotion est au coin de la rue lorsque André Dussolier et Karin Viard remonte le trace d'une mystérieuse chanteuse de jazz. Car le casting est solide, outre les deux précités, on retrouve Karmann lui-même, trop rare, et François Cluzet, probablement le meilleur comédien français depuis un bout de temps.

Malgré un haut capital sympathie à la base (un triangle amoureux, l'Italie des années 70 et ses luttes idéologiques, la jeunesse et la fougue!) cet opus rital ne m'a pas tout à fait convaincu. Ne fait pas La Meglio Juventu qui veut, même avec les mêmes scénaristes. Déjà, la mise en scène souffre du syndrome "je tourne caméra à l'épaule parce que ça fait bien mais je ne réfléchi pas à ma démarche", et du coup ça bouge un peu trop sans raison et ça c'est dommage car un beau cadre et ben c'est beau, merde! Ensuite, à force d'hésiter entre l'intrigue politique (éclairante) et l'intrigue amoureuse (attachante, deux frères ne se supportent pas mais aiment la même femme), il pêche un peu sur les deux tableaux, et escamote la demoiselle à la fin de façon abrupte. Dommage donc, car à part ça il y a quand même du bon, surtot si on s'intéresse à l'Italie et aux années 70 (et là, paf, je suis dans le coeur de cible!). La bonne nouvelle du film s'appelle Diane Fleri, comédienne française (!) qui, dans le rôle de "la fille", vole la vedette aux deux acteurs principaux. En plus d'être raah lovely (enfin photogénique quoi), elle joue diablement bien! Parions qu'on la reverra.

Si comme moi vous avez été un peu déçu par 28 jours plus tard le film de zombie (techniquement un film avec des gens contaminé par un virus qui ressemblent furieusement à des morts vivants) de Danny Boyle, alors que beaucoup criaient au génie, vous n'attendez sans doute pas grand chose de 28 semaines plus tard, une suite signée par l'espagnol Juan Carlos Fresnadillo (Intacto). Et bien nous avons tort, grand tort, car ce film qui vient de sortir rejoint le club très fermé des suites supérieures en tous points à l'original.

Le pitch: durant l'épidémie décrite dans le premier film, Don (Robert Carlyle) a laissé sa femme se faire bouffer par les zombies, de peur d'être contaminé à son tour. Il faut dire qu'il y a deux enfants, justement en voyage scolaire, qui l'attendent. Vingt-huit semaines plus tard, il les accueille dans un Londres sinistré, où tous les survivants sont parqués sur l'île de Dogs, seule zone considérée comme saine. Bien entendu, il porte un tant soit peu de culpabilité avec lui.... Les choses se gâtent lorsque ses enfants décident de s'aventurer hors de la zone de sécurité pour retrouver leur maison.

Parmi les principales qualité du métrage, il y a donc ce personnage ambigu et torturé dont la rage interne s'exprimera grâce au retour du virus (car oui...). Le Londres post-apocalyptique décrit par le réalisateur espagnol qui n'avait jamais mis les pieds en Angleterre avant le tournage (!) n'est pas sans rappeler celui de Children of Men, en plus aseptisé, et c'est donc un compliment. Cependant la mise en scène est bien différente elle. Certes plus classique, mais pas moins efficace, avec une photographie de fort bonne facture. Pour une fois, le montage nerveux et elliptique ("à la" MTV) qui survient parfois et utilisé avec intelligence, parvenant à décrire un état de chaos et de perdition. Lors de la scène d'ouverture, deux longs plans de Robert Carlyle en train de courir à perdre haleine dans une immense plaine, au bord de la laquelle se dessinent les silhouettes menaçantes des infectés, passe de splendide à traumatique lorsque ceux-ci attaquent. Lors d'autres scènes bien flippantes, le film fait aussi référence à Apocalypse Now. C'est d'ailleurs le deuxième axe du film (hormis le cauchemar de Don et de ses enfants), les actes des militaires américains chargés de pacifier Londres. Ils pensaient s'ennuyer, ils se retrouvent pris au piège dans un bourbier hors de contrôle. Alors, ils tirent indifféremment sur les zombies et les civils, du haut des tours du quartier des affaires. Difficile de ne pas y voir une référence, et une critique de la situation en Irak (ou au Vietnam, d'où Apocalypse...).

Surtout, Fresnadillo (peu friand de film d'horreurs à la base) insuffle au genre une dimension épique inattendue, déjà en germe dans le film de Boyle, mais avec plus de moyens. Ici il n'y a pas de second degrés, le propos est tenu de front et pas en métaphore. Le réalisateur et ses co-scénaristes osent prendre au sérieux un genre trop prompt à s'auto-dénigrer sous la pression de l'intelligentsia. Ici, on ne joue pas à se faire peur ou à se dégoûter, on explore notre fascination pour et notre propension à la violence. Servi par des acteurs au poil (le gamin étant le clone de Danny dans Shining de Kubrick!) et une bande son solide, 28 Weeks Later tue sa mère, voilà! Une bonne démarche de Boyle producteur qui vous fera dire pour une fois "vivement la suite" que laisse plus que présager la fin!

L'acuité de la vision de notre futur proche dans ce film fait peur. En introduisant un élément de crise (les femmes perdent subitement toute fécondité. Pollution? Punition divine? Evolution?), Alfonso Cuaron, s'inspirant très librement d'un roman de P.D. James, peut grossir le trait et livrer une autopsie sans concession de la laideur de notre monde actuel (violence, extorsion, racisme...). On touche là à une des missions de base de la s-f, la plus négligée dernièrement. Mais s'il n'y avait que ça! La réalisation du film, tout en plan séquence, caméra à l'épaule souvent, avec une intégration parfaite et intelligente des effets spéciaux, est tout simplement bluffante, tout comme la photographie d'Emmanuel Lubezki et le choix d'une bande-son très seventies, aussi inattendu que pertinent. Children of Men c'est de la s-f à domicile, à dimension humaine, avec une petite touche de conte initiatique. Un régal qui a dérouté en salle, mais se refait une santé en DVD grâce au bouche à oreille.

Avec ce classique des classique on fait presque de l'archéologie de la s-f. Metropolis fut à ma connaissance le premier film à aborder avec crédibilité les questions de l'intelligence artificielle (le robot maléfique a l'apparence de la femme aimée) et du rapport de l'homme (ici les ouvriers confinés dans les sous-sol de la mégapole) à la machine, avec un petit supplément de lutte des classes qui devait plus plaire au réalisateur Fritz Lang qu'à Théa Van Harbou, sa femme et scénariste qui collabora avec les nazis alors que Fritz choisit l'exil. Surtout, combinant les qualités esthétiques de l'expressionnisme et du futurisme, Metropolis n'a pas perdu de sa force émotionnelle. Par dessus tout, deux éléments ont fait date: le design du robot (qui a entre autres inspiré C-3PO dans Star Wars) et surtout de la ville elle-même, devenue le canon de la mégapole futuriste (de Blade Runner à la nouvelle trilogie Star Wars en passant par Le Cinquième Elément et nombres de livres et BD).

L'avant-dernier film de Christopher Nolan (Memento, Batman Begins) appartient au genre peu répandu de la retro-science-fiction, c'est-à-dire qu'il imagine des découvertes scientifiques révolutionnaires dans notre passé. La bonne idée du film (et tout d'abord du livre de Christopher Priest) étant de faire coller ces faits à l'histoire, puisque le savant fou n'est autre que Nicola Tesla - précurseur dans le domaine du courant alternatif, des ondes radio et des radars entre autres - et que son invention n'est pas divulguée au grand public dans le film. C'est à David Bowie qu'il revient d'incarner, avec un ravissant accent serbe, un personnage historique entouré de controverses, que le film ne rend que plus mystérieux. Ici, le progrès scientifique donne naissance à d'importantes questions éthiques et de philosophiques (j'essaie de ne pas en dévoiler trop pour ceux qui ne l'ont pas vu!). Cependant, les grandes forces de ce chef-d'oeuvre (osons le mot!) se trouvent plutôt dans son scénario retors à souhait, sa mise en scène et sa photographie fascinantes et son interprétation quatre étoile (en plus de Bowie, Hugh Jackman, Christian Bale, Michael Caine, Scarlett Johansson). Captivant de bout en bout et meilleur à chaque vision (tous les indices sont dans la première bobine) le film est aussi une réflexion sur le cinéma et l'écriture, puisqu'en déconstruisant les tours de magie, le cinéaste expose en fait la structure même de son film.

Le sommet en ce qui concerne la question de l'intelligence artificielle, posée très froidement à travers un personnage de flic hyper-sexy et hyper-violente, un cocktail qui attire l'oeil! Le tout est servi sous la forme d'un polar technologico-mystique, soutenu par la célèbre musique de Kenji Kawai. Rajoutez des dessins splendides et quelques gunfights bien sentis et vous obtenez la recette de l'excellence. Même s'il est vrai que les scénars peuvent s'avérer très obscurs, ils raviront ceux qui aiment se faire un peu mal à la tête (je lève la main!). Mention spéciale au mariage de la 2D et de la 3D dans Innocence (alias Ghost in the Shell 2, donc), le plus réussi à ce jour en animation, pour ne pas dire le seul. Si j'ai été un peu déçu par le passage de Mamoru Oshii au cinéma "live" avec Avalon, tous ses autres films d'animations sont chaudement recommandables. Pour une fois ce n'est pas un roman mais une bande-dessinée qui est adaptée ici. Masamune Shirow, l'auteur, a aussi signé un grand moment de s-f en manga, Apple Seed (là aussi, mal de tête et combats dantesques) hélas assez platement adapté au cinéma en 2006.

Pour les déçus de Star Wars, il existe un George Lucas cinéaste avec un grand "c", auteur et réalisateur d'une anti-utopie brillante, bien qu'elle soit son premier long-métrage. Il s'agit d'une variation sur les sociétés totalitaires, avec une touche de magicien d'Oz parce que bon c'est George! La critique de l'industrie, de la télévision, de la médecine et de la religion est acerbe. A vous de juger de ce que Lucas a fait de sa révolte depuis 30 ans... Malgré sa robe toute blanche, ce film est noir de noir et se conclut sur un plan d'anthologie, soudaine avalanche de couleurs qui laisse notre héros plus désemparé que jamais, maintenant qu'il est libre. Notre héros, c'est donc THX 1138, ouvrier condamné à construire les robots policiers qui régentent sa ville sous-terraine et anonyme. Comme à tous les habitants, dieu, auquel on peut régulièrement allez se confier au confessionnal électronique, lui a assigné une compagne, SEN, mais ils vont commettre l'erreur de tomber réellement amoureux. THX (Robert Duvall) est envoyé en prison tandis qu'un pervers (Donald Pleasence) s'empare de SEN. Cette prison, n'est qu'un infini blanc, au coeur duquel les "criminels" sont laissés à eux-mêmes. Mais THX, qui ne suit plus son traitement médicamenteux, trouve en lui l'énergie de se révolter et de tenter une évasion... Récemment relifté (quelques images de synthèse par-ci par-là dans ce qui reste essentiellement un film violemment fauché et ingénieux), mais avec tact (qui l'eut cru!) pour sa sortie en DVD, ce film longtemps oublié peut devenir un classique si suffisamment d'amateurs s'y intéressent. A ne pas manquer en ce qui me concerne, ne serait-ce que pour l'admirable conception sonore (et le montage) de Walter Murch, également co-scénariste.

Dans ce film du très "undeground" Nicolas Roeg, un extra-terrestre tout ce qu'il y a de plus humanoïde est envoyé sur notre planète pour lui voler son eau, qui manque cruellement sur sa planète natale. Mais, seul et incompris, il se retrouve avalé par la société de consommation. S'il tente dans un premier temps de s'échapper, il devient bien vite totalement absorbé par la télévision, l'alcool, les armes à feux, le sexe, bref, par ce que nous avons produit de mieux... A tel point qu'on finit par se demander avec lui s'il est vraiment venu d'ailleurs. En tous cas, prisonnier, comme chacun d'entre nous donc, de ce monde à la fois repoussant et fascinant, Thomas Jerome Newton (son nom d'humain) devient une épave, l'ombre de lui-même, un homme brisé comme les autres. Ce E.T. adulte et pessimiste sous cocaïne souffre certes de certaines longueurs et d'effets spéciaux "approximatifs", mais l'ambiance y est à couper au couteau et quelques scènes et décors sont d'une stupéfiante beauté plastique (Roeg tient plus de l'artiste contemporain versatile que du pur cinéaste). Surtout, l'interprétation de David Bowie, alors au sommet de sa schizophrénie, dans un rôle qui fait plus que lui coller à la peau, est culte et fait de Jerome Thomas Newton un personnage dont les psychoses vous hanteront longtemps.

Souvenirs de l'excellente expo Kubrick qui s'est tenue à Gand fin de l'année dernière. Les photos présentées ici sont le fruit de mes deux visites, elles ne sont pas exhaustives et certaines sont de bien mauvaise qualité, en effet les photos étaient en théorie interdites, d'où GSM et empressement...